Chagrin naît du simple désir de donner vie à deux personnages sur scène, chacun avec son propre langage. Sans grandes prétentions, sans urgence de transmettre un message profond—car le véritable sens réside dans le simple besoin de le faire exister. C’est un spectacle sans étiquettes ni explications figées, un espace où le clown blanc et l’auguste trouvent leur univers, simplement parce qu’ils le peuvent. Une excuse parfaite pour partager une complicité, explorer la beauté du mouvement, laisser les traditions classiques du clown se mêler aux esthétiques contemporaines du cirque. À travers le langage du cirque—jonglerie, acrobaties, danse dansée par des non-danseurs, théâtre mal joué, musique mal interprétée—tout est exécuté avec une maladresse précise et une précision maladroite. La spontanéité est la seule règle. Il n’y a pas de mots, non pas parce qu’il n’y a rien à dire, mais parce que tout ce qui compte se dit avec le corps. Et le spectacle change. Parce qu’il ne peut en être autrement. Il grandit avec ceux qui l’habitent, se perfectionne sans le vouloir, se transforme sans prévenir. Dans un monde qui exige des concepts fixes, Chagrin résiste. Il oscille entre le chaos et la subtilité, entre l’accidentel et l’inévitable. Et c’est là, dans ce mouvement instable et toujours changeant, qu’il trouve sa véritable essence.

Notre projet « Who’s in Charge » vise à créer un spectacle qui montre les injustices subies par les femmes. Nous exprimons ce concept à travers le cirque, le mouvement, le théâtre, la comédie, la musique et la participation du public. Nous voulons explorer les rôles traditionnels et non conventionnels des femmes, la façon dont la société nous perçoit et comment nous pouvons lutter contre ces attentes. Nous utilisons nos corps pour raconter nos histoires et redonner du pouvoir aux parties de nous qui ont été cachées. En explorant la vérité de l’histoire à travers la voix et le chant, cette création remettra en question ce que signifie être une femme dans le monde d’aujourd’hui.

Introduction: Ce projet a commencé à être réfléchi et écrit en 2023, mais c’est en 2024, à São Paulo, au Brésil, qu’il a commencé à se réaliser grâce au soutien de la notice culturelle Proac, de l’État de São Paulo. La conception est de Veronica Piccini, artiste de cirque et danseuse, qui, basée sur ses préoccupations artistiques et sociales, a voulu combiner ses recherches sur le trapèze fixe, la danse et le théâtre dans un solo artistique, cherchant à aborder le thème de la technologie par rapport à la santé mentale. Ce travail présente la participation de Vinicios Debs en tant que créateur de la bande sonore, du design graphique et de la perspective externe, basé sur son projet artistique intégré « La Parabolia ». Fin 2024, Veronica et Vinicios s’installent à Turin, en Italie, où ils entament une nouvelle étape dans laquelle ils entendent poursuivre le spectacle, en visant le soutien de résidences artistiques à travers l’Europe. Synopsis du spectacle : Esprit surchargé d’informations, mémoire obsolète, attention fragmentée : qui ne s’est pas vu avec ces caractéristiques ces derniers temps ? Relations à travers les écrans et les applications, et même avec les dispositifs d’intelligence artificielle… La coexistence existe-t-elle encore ou tout est-il imprégné de « techno-expérience » ? Ce solo de cirque et de danse présente un personnage qui se perçoit fragmenté dans sa conscience existentielle, en même temps qu’il est mentalement chargé par les stimuli et le style de vie contemporain dans lequel il est inséré. Dans un espace fantastique et métaphorique, les ondes électromagnétiques interfèrent avec son corps et ses mouvements, sa supposée tête roule dans l’espace, sa grande amie est une intelligence artificielle et, entre exercices de méditation et épuisement imminent, elle tente de se retrouver et de s’organiser pour affronter la vie. Ainsi, avec surréalisme et ironie, ce spectacle soulève des questions sur la réalité dans laquelle nous vivons, où les relations humaines et le quotidien de nos vies ont été radicalement transformés et traversés par les technologies de la communication, par l’utilisation excessive des applications, des dispositifs technologiques, de l’information, et où l’espace et le temps ne semblent jamais suffisants pour maintenir notre santé mentale.

Mon projet est motivé par une expérience personnelle assez récente, à la suite de laquelle je souhaite monter un spectacle de cirque engagé qui parle d’ un sujet délicat, le suicide. La mise en lumière des problèmes et personnes concernées par une vulnérabilité psychologique me semble importante et elle doit être authentique.

Par définition, on peut dire que l’apogée est « le point le plus éloigné ou le plus proche de l’orbite d’un corps planétaire autour de son corps primaire ». C’est aussi « le point le plus élevé dans le développement de quelque chose : un point culminant ». Développement et apogée ? C’est exactement ce qu’apporte « L’ Apxgee ». Bienvenue dans le plus grand événement astronomique qui se déroule dans mon cœur, en direct d’une piste de danse vide.

Nous sommes deux sœurs du Sisko Collective, Sirje et Saana, originaires d’un petit village de Laponie finlandaise. Aujourd’hui, nous vivons en Europe centrale, à proximité l’une de l’autre, à Bruxelles et à Rotterdam. Nos chemins artistiques ont été parallèles et nous voulons maintenant unir nos forces pour créer un spectacle de cirque ensemble. Notre spectacle se concentre sur la dynamique des deux personnages et la relation entre les sœurs, que nous explorons de manière loufoque et humoristique. Une exploration visuelle et kinétique traverse la pièce, visant à susciter le rire, l’émerveillement et l’identification dans le public. Inspirée par des moments visuels et des images qui créent une atmosphère colorée, drôle et belle, adaptée aux enfants comme aux adultes. Les éléments essentiels de la création du projet sont les disciplines de cirque : les hula hoops et le cerceau aérien. Nous voulons explorer le dialogue entre ces éléments de même forme et les possibilités de leur interaction. Comment ces objets circulaires, similaires en apparence mais opposés l’un à l’autre, peuvent-ils se compléter et créer un nouveau mouvement et une nouvelle esthétique ? Notre spectacle est conçu pour être joué à l’aide d’un trépied aérien autoportant, ce qui permet de l’adapter à toutes les situations. Cela permet au spectacle d’être joué aussi bien à l’intérieur qu’à l’extérieur. Notre projet initial est de créer une pièce pour une représentation en plein air, particulièrement adaptée aux festivals de cirque et d’art de la rue. Le stand nous permettra de déplacer et de jouer la pièce dans une variété d’environnements, apportant l’art à différents publics et événements à travers l’Europe.

Ce projet est une tentative d’exprimer les questionnements et l’évolution d’un individu par rapport à son existence, aux attaches et aux expériences qui l’ont construit et qui font de lui la personne qu’il est, avec ses qualités, ses défauts et ses troubles. D’où viens-je ? Qui suis-je ? Quel est le but de mon existence ? Autant de questions qui se révèlent au personnage concerné et qui sont un prétexte à la quête de soi et de cette merveilleuse aventure qu’on appelle la Vie.

“Une plongée interactive dans la réalité enchantée, intense, drôle et parfois absurde de deux partenaires renouant avec leur imaginaire animal. »

En tant qu’artistes, lors d’une réprésentation de spectacle, nous essayons souvent de cacher nos difficultés, nos peurs et nos conflits afin de paraître parfaits sur scène. Le public voit souvent les artistes de cirque et les danseurs comme des êtres surhumains dotés de capacités extra-terrestres, et détachés de la réalité quotidienne ; et même si le public apprécie ces spectacles, il se sent souvent déconnecté des artistes en tant que personnes. Cette performance vise à renverser cette conception et à montrer ouvertement tout en détail : une performance de type émission de télévision avec beaucoup d’humour et d’interaction avec le public, mettant en lumière toutes les difficultés de l’artiste et se connectant au public à travers ses imperfections et sa vulnérabilité – ce qui est le plus humain en nous tous. J’ai déjà un numéro de 6 minutes avec ce concept, et mon idée est d’utiliser la résidence pour le transformer en un spectacle plus long.

What’s-her-face est un spectacle solo pour théâtre. Le projet explore les facettes complexes du monde intérieur d’une femme de cirque voyageuse à travers une narration poétique et visuellement percutante, alliant cirque, théâtre physique, danse, performance et scénographie, ainsi que des recherches théoriques. Le spectacle aborde des thèmes tels que l’identité féminine, l’expérience de l’immigration, les stéréotypes culturels, la transformation personnelle et la dualité entre monstruosité et beauté. Structurée en scènes interconnectées, la performance présente différents archétypes féminins mondiaux comme moyen de compréhension des multiples facettes d’une femme — les nombreuses facettes qu’une femme peut avoir, en particulier lorsqu’elle migre. « Les nombreuses femmes que j’ai dû apprendre à devenir et celles que je suis.« What’s-her-face est une construction artistique et poétique qui vise des publics divers. En plus du public vivant en situation d’immigration, le projet cherche également à résonner avec les toutes femmes, les invitant à s’engager avec leurs propres souvenirs et réflexions personnelles à travers des symboles de l’univers féminin.

Corps à corde, un essai poétique de cirque participatif et intime. Une barre et des cordes pour créer un trapèze. Une interdépendance entre le public et l’artiste. Une réflexion sur notre façon de faire parti d’un groupe. Moi et vous, que va t’on créer ensemble?

Chagrin naît du simple désir de donner vie à deux personnages sur scène, chacun avec son propre langage. Sans grandes prétentions, sans urgence de transmettre un message profond—car le véritable sens réside dans le simple besoin de le faire exister. C’est un spectacle sans étiquettes ni explications figées, un espace où le clown blanc et l’auguste trouvent leur univers, simplement parce qu’ils le peuvent. Une excuse parfaite pour partager une complicité, explorer la beauté du mouvement, laisser les traditions classiques du clown se mêler aux esthétiques contemporaines du cirque. À travers le langage du cirque—jonglerie, acrobaties, danse dansée par des non-danseurs, théâtre mal joué, musique mal interprétée—tout est exécuté avec une maladresse précise et une précision maladroite. La spontanéité est la seule règle. Il n’y a pas de mots, non pas parce qu’il n’y a rien à dire, mais parce que tout ce qui compte se dit avec le corps. Et le spectacle change. Parce qu’il ne peut en être autrement. Il grandit avec ceux qui l’habitent, se perfectionne sans le vouloir, se transforme sans prévenir. Dans un monde qui exige des concepts fixes, Chagrin résiste. Il oscille entre le chaos et la subtilité, entre l’accidentel et l’inévitable. Et c’est là, dans ce mouvement instable et toujours changeant, qu’il trouve sa véritable essence.

Notre projet « Who’s in Charge » vise à créer un spectacle qui montre les injustices subies par les femmes. Nous exprimons ce concept à travers le cirque, le mouvement, le théâtre, la comédie, la musique et la participation du public. Nous voulons explorer les rôles traditionnels et non conventionnels des femmes, la façon dont la société nous perçoit et comment nous pouvons lutter contre ces attentes. Nous utilisons nos corps pour raconter nos histoires et redonner du pouvoir aux parties de nous qui ont été cachées. En explorant la vérité de l’histoire à travers la voix et le chant, cette création remettra en question ce que signifie être une femme dans le monde d’aujourd’hui.

Introduction: Ce projet a commencé à être réfléchi et écrit en 2023, mais c’est en 2024, à São Paulo, au Brésil, qu’il a commencé à se réaliser grâce au soutien de la notice culturelle Proac, de l’État de São Paulo. La conception est de Veronica Piccini, artiste de cirque et danseuse, qui, basée sur ses préoccupations artistiques et sociales, a voulu combiner ses recherches sur le trapèze fixe, la danse et le théâtre dans un solo artistique, cherchant à aborder le thème de la technologie par rapport à la santé mentale. Ce travail présente la participation de Vinicios Debs en tant que créateur de la bande sonore, du design graphique et de la perspective externe, basé sur son projet artistique intégré « La Parabolia ». Fin 2024, Veronica et Vinicios s’installent à Turin, en Italie, où ils entament une nouvelle étape dans laquelle ils entendent poursuivre le spectacle, en visant le soutien de résidences artistiques à travers l’Europe. Synopsis du spectacle : Esprit surchargé d’informations, mémoire obsolète, attention fragmentée : qui ne s’est pas vu avec ces caractéristiques ces derniers temps ? Relations à travers les écrans et les applications, et même avec les dispositifs d’intelligence artificielle… La coexistence existe-t-elle encore ou tout est-il imprégné de « techno-expérience » ? Ce solo de cirque et de danse présente un personnage qui se perçoit fragmenté dans sa conscience existentielle, en même temps qu’il est mentalement chargé par les stimuli et le style de vie contemporain dans lequel il est inséré. Dans un espace fantastique et métaphorique, les ondes électromagnétiques interfèrent avec son corps et ses mouvements, sa supposée tête roule dans l’espace, sa grande amie est une intelligence artificielle et, entre exercices de méditation et épuisement imminent, elle tente de se retrouver et de s’organiser pour affronter la vie. Ainsi, avec surréalisme et ironie, ce spectacle soulève des questions sur la réalité dans laquelle nous vivons, où les relations humaines et le quotidien de nos vies ont été radicalement transformés et traversés par les technologies de la communication, par l’utilisation excessive des applications, des dispositifs technologiques, de l’information, et où l’espace et le temps ne semblent jamais suffisants pour maintenir notre santé mentale.

Mon projet est motivé par une expérience personnelle assez récente, à la suite de laquelle je souhaite monter un spectacle de cirque engagé qui parle d’ un sujet délicat, le suicide. La mise en lumière des problèmes et personnes concernées par une vulnérabilité psychologique me semble importante et elle doit être authentique.

Par définition, on peut dire que l’apogée est « le point le plus éloigné ou le plus proche de l’orbite d’un corps planétaire autour de son corps primaire ». C’est aussi « le point le plus élevé dans le développement de quelque chose : un point culminant ». Développement et apogée ? C’est exactement ce qu’apporte « L’ Apxgee ». Bienvenue dans le plus grand événement astronomique qui se déroule dans mon cœur, en direct d’une piste de danse vide.

Nous sommes deux sœurs du Sisko Collective, Sirje et Saana, originaires d’un petit village de Laponie finlandaise. Aujourd’hui, nous vivons en Europe centrale, à proximité l’une de l’autre, à Bruxelles et à Rotterdam. Nos chemins artistiques ont été parallèles et nous voulons maintenant unir nos forces pour créer un spectacle de cirque ensemble. Notre spectacle se concentre sur la dynamique des deux personnages et la relation entre les sœurs, que nous explorons de manière loufoque et humoristique. Une exploration visuelle et kinétique traverse la pièce, visant à susciter le rire, l’émerveillement et l’identification dans le public. Inspirée par des moments visuels et des images qui créent une atmosphère colorée, drôle et belle, adaptée aux enfants comme aux adultes. Les éléments essentiels de la création du projet sont les disciplines de cirque : les hula hoops et le cerceau aérien. Nous voulons explorer le dialogue entre ces éléments de même forme et les possibilités de leur interaction. Comment ces objets circulaires, similaires en apparence mais opposés l’un à l’autre, peuvent-ils se compléter et créer un nouveau mouvement et une nouvelle esthétique ? Notre spectacle est conçu pour être joué à l’aide d’un trépied aérien autoportant, ce qui permet de l’adapter à toutes les situations. Cela permet au spectacle d’être joué aussi bien à l’intérieur qu’à l’extérieur. Notre projet initial est de créer une pièce pour une représentation en plein air, particulièrement adaptée aux festivals de cirque et d’art de la rue. Le stand nous permettra de déplacer et de jouer la pièce dans une variété d’environnements, apportant l’art à différents publics et événements à travers l’Europe.

Ce projet est une tentative d’exprimer les questionnements et l’évolution d’un individu par rapport à son existence, aux attaches et aux expériences qui l’ont construit et qui font de lui la personne qu’il est, avec ses qualités, ses défauts et ses troubles. D’où viens-je ? Qui suis-je ? Quel est le but de mon existence ? Autant de questions qui se révèlent au personnage concerné et qui sont un prétexte à la quête de soi et de cette merveilleuse aventure qu’on appelle la Vie.

“Une plongée interactive dans la réalité enchantée, intense, drôle et parfois absurde de deux partenaires renouant avec leur imaginaire animal. »

En tant qu’artistes, lors d’une réprésentation de spectacle, nous essayons souvent de cacher nos difficultés, nos peurs et nos conflits afin de paraître parfaits sur scène. Le public voit souvent les artistes de cirque et les danseurs comme des êtres surhumains dotés de capacités extra-terrestres, et détachés de la réalité quotidienne ; et même si le public apprécie ces spectacles, il se sent souvent déconnecté des artistes en tant que personnes. Cette performance vise à renverser cette conception et à montrer ouvertement tout en détail : une performance de type émission de télévision avec beaucoup d’humour et d’interaction avec le public, mettant en lumière toutes les difficultés de l’artiste et se connectant au public à travers ses imperfections et sa vulnérabilité – ce qui est le plus humain en nous tous. J’ai déjà un numéro de 6 minutes avec ce concept, et mon idée est d’utiliser la résidence pour le transformer en un spectacle plus long.

What’s-her-face est un spectacle solo pour théâtre. Le projet explore les facettes complexes du monde intérieur d’une femme de cirque voyageuse à travers une narration poétique et visuellement percutante, alliant cirque, théâtre physique, danse, performance et scénographie, ainsi que des recherches théoriques. Le spectacle aborde des thèmes tels que l’identité féminine, l’expérience de l’immigration, les stéréotypes culturels, la transformation personnelle et la dualité entre monstruosité et beauté. Structurée en scènes interconnectées, la performance présente différents archétypes féminins mondiaux comme moyen de compréhension des multiples facettes d’une femme — les nombreuses facettes qu’une femme peut avoir, en particulier lorsqu’elle migre. « Les nombreuses femmes que j’ai dû apprendre à devenir et celles que je suis.« What’s-her-face est une construction artistique et poétique qui vise des publics divers. En plus du public vivant en situation d’immigration, le projet cherche également à résonner avec les toutes femmes, les invitant à s’engager avec leurs propres souvenirs et réflexions personnelles à travers des symboles de l’univers féminin.

Corps à corde, un essai poétique de cirque participatif et intime. Une barre et des cordes pour créer un trapèze. Une interdépendance entre le public et l’artiste. Une réflexion sur notre façon de faire parti d’un groupe. Moi et vous, que va t’on créer ensemble?